镜头感与舞台调度
舞台是放大，镜头是显微镜。
掌握空间的法则，在聚光灯与取景框之间，精准拿捏表演的尺度。
舞台调度：用身体丈量空间
话剧舞台没有特写，后排观众距离你十几米远。在舞台上，你的每一个动作都必须被“放大”，你的走位必须充满“目的性”。舞台调度，就是用身体去切割空间，引导观众的视线。
舞台九宫格与能量场
舞台被划分为九个区域。舞台中央是绝对焦点，台口是亲密区，后区是疏离区。当你走向台口，是在向观众袒露心声；当你退向后区，是在隐藏秘密。走位不是瞎溜达，而是情绪的外化。
视线引导
观众的眼睛永远跟着“动”的东西走。当你在舞台上静止时，你是背景；当你走动、指向某处，你就成了导演。学会用肢体动作去“指”出对手戏演员的位置，把观众的注意力精准传递过去。
空间关系
两个演员的距离，就是两人关系的距离。并肩是同盟，对立是冲突，背对是决裂。在排练时，多感受不同站位带来的心理压迫感或安全感，让空间替你说话。
发声投射
舞台发声不是“喊”，而是“投射”。想象你的声音是一支箭，要稳稳地钉在剧场最后一排观众的额头上。保持气息下沉，把声音送到空间的尽头，而不是在自己头顶盘旋。
镜头感：在取景框里做减法
如果说舞台是放大器，那么镜头就是显微镜。在影视表演中，最忌讳的就是“过火”。镜头会把你的每一个小动作放大十倍，你心里有一丝杂念，观众都能看得清清楚楚。
"在镜头前，少即是多。不要试图用肢体去‘演’情绪，要把所有能量收回到眼睛里。摄影机在看着你的灵魂，而不是你的四肢。"
景别与表演尺度
全景看形体，中景看动作，近景看表情，特写看眼神。当导演喊“切特写”时，立刻收起所有多余的肢体动作和面部肌肉，把所有的戏都集中在眼睛里。哪怕是一个极轻微的瞳孔颤动，在特写镜头下都胜过千言万语。
找机位与视线控制
影视表演是“带着镣铐跳舞”。你必须精准地知道机位在哪里，光线从哪里来。永远不要越过“轴线”，不要挡住对手的脸。学会用余光感受镜头的存在，但不被镜头绑架，保持内心的真实流动。
微表情：面具下的暗流涌动
高级的表演，往往发生在“不说话”的时候。人在极度悲伤或愤怒时，第一反应往往是掩饰。那种“强颜欢笑”或“极力克制”的微表情，才是最能击穿观众防线的利器。
克制与留白的艺术
不要一上来就五官乱飞地大哭。试着演“忍住不哭”：眼眶泛红、喉结滚动、嘴唇微微颤抖、深吸一口气试图平复。这种“对抗情绪”的过程，比直接释放情绪更有张力。给观众留出脑补的空间，让他们替你流泪。
无实物表演：信念感的终极试炼
手里没有杯子，却要演出喝水的解渴感；面前没有门，却要演出推开门的阻力感。无实物表演的核心，是“肌肉记忆”和“绝对信念”。
重量与阻力
空手端一杯水和端一桶水，手臂的肌肉紧绷度是完全不同的。在表演前，先在脑海中清晰地构建出物体的重量、材质、温度。让身体先相信，观众才会相信。
视线焦点
你的眼睛看向哪里，观众就会认为那里有什么。视线不能飘，必须精准地聚焦在虚拟物体的边缘。如果你在看一个虚拟的苹果，你的眼神就要有“看苹果”的专注度。
动作的连贯性
无实物表演最怕“断片”。拿起、放下、传递，每一个动作的起点和终点都要交代清楚。哪怕中间有停顿，手上的“虚拟物体”也不能凭空消失。保持动作的逻辑闭环，信念感才不会崩塌。